C’è un’immagine che campeggia sugli edifici di Manticore, l’agenzia rivale di Citadel, al centro di Citadel: Diana, la nuova serie tv in streaming su Prime Video dal 10 ottobre. È la testa di un uomo che ha due facce, che ricorda molto l’icona di Giano Bifronte. Giano era una divinità romana che era raffigurata con due volti: uno guardava al passato e uno al futuro. È il perfetto simbolo di Citadel: Diana, una storia che è ambientata in un futuro prossimo venturo – un oscuro 2030 – ma allo stesso tempo torna indietro nel passato, per viaggiare dentro i fantasmi e le motivazioni dei personaggi, e legarsi in qualche modo alla serie da cui è partito tutto, la produzione americana Citadel.

Milano, 2030: otto anni prima l’agenzia indipendente di spionaggio Citadel è stata distrutta da una potente organizzazione rivale, Manticore. Da allora, Diana Cavalieri (Matilda De Angelis), spia di Citadel sotto copertura, è rimasta sola, intrappolata tra le linee nemiche come infiltrata in Manticore. Quando finalmente le si presenta l’occasione di uscirne e sparire per sempre, l’unico modo per farlo è fidarsi del più inaspettato degli alleati, Edo Zani (Lorenzo Cervasio), l’erede di Manticore Italia e figlio del capo dell’organizzazione, Ettore Zani (Maurizio Lombardi), in lotta per la supremazia contro le altre famiglie europee.

Citadel: Diana è una serie vincente già solo per l’idea che è alla base, un caso di studio. Nasce infatti da una serie principale, Citadel, prodotta e girata in America, e nata per essere a sua volta la madre di altre storie, da girare in altri Paesi (a novembre arriverà Citadel: Honey Bunny, girata in India). Citadel così ha dato vita a nuove serie che non sono dei sequel e non possono essere tecnicamente definiti degli spin-off. Sono storie che vivono nel mondo di Citadel, ma a loro volta vivono di vita propria, respirano la Storia, il clima, le influenze dei Paesi in cui sono nate. Nell’adattamento italiano, senza che diventino preponderanti rispetto alla vicenda principale, appaiono le mafie, le stragi di Stato irrisolte, una deriva verso l’autoritarismo che a volte nella Storia il nostro Paese ha preso.

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C’è dunque l’Italia, con la sua Storia, le sue peculiarità, la sua personalità in questa serie originale che vive nel mondo di Citadel, ma si discosta dalla serie madre per trovare una sua via. È un’Italia che non è mai scontata, non è mai una cartolina, mai un cliché. Al centro c’è Milano, una città tutto sommato poco frequentata dal cinema nelle sue potenzialità, una Milano città europea, internazionale, enigmatica. C’è la sua architettura razionalista, e un mood retrofuturistico che connota tutta la serie, e ci fa vedere la città come non l’abbiamo mai vista. C’è anche la Sicilia, e anche questa è completamente inedita e lontana dagli stereotipi: è l’occasione per girare una scena spettacolare ambientata nel Cretto di Gibellina in Sicilia, una gigantesca opera d’arte ambientale di Alberto Burri.

Il ruolo delle location è centrale in Citadel: Diana. Non sono mai semplici sfondi, ambientazioni, ma hanno un ruolo ben preciso nella serie. Sono spesso luoghi molto grandi, imponenti, minacciosi – che i totali del regista Arnaldo Catinari valorizzano appieno – che fanno sentire piccolo l’uomo che sta al centro, e rendono l’idea del suo ruolo in questa storia: quello di pedina in grado di essere spostata a piacimento lungo la scacchiera della vicenda. È un uomo piccolo, troppo piccolo di fronte al destino che lo attende.

Come nella scienza, in Citadel: Diana si va dall’infinitamente grande all’infinitamente piccolo. Ci sono i totali e i campi lunghi, ma anche i primi piani. Tanti sono sul volto di Diana, interpretata da una convincente Matilda De Angelis, pronti a coglierne la bellezza, l’aura di star ormai internazionale. E a scrutare l’enigma di un volto che, per doveri di missione, deve rimanere freddo e imperscrutabile, ma tale non è. Matilda De Angelis è in scena con un inedito caschetto a due lunghezze: i capelli sono più corti da un lato e più lunghi dall’altro, simbolo della Diana del passato che incontra la Diana del presente e del futuro. Sì, ancora una volta ecco Giano Bifronte.

Ma Giano Bifronte è il simbolo di Citadel non solo per il rapporto tra passato e futuro, ma anche perché, come vuole il mondo creato dai Fratelli Russo, ognuno ha due facce, due identità, due vite. Ognuno fa un doppio, o forse triplo, gioco. Non c’è alcuna certezza, tutto è il contrario di tutto. Citadel: Diana, prodotta da Cattleya, è riuscita a creare un mondo (con la scrittura di Alessandro Fabbri, head writer, e Ilaria Bernardini, Gianluca Bernardini, Laura Colella e Giordana Mari) dove abbiamo un continuo senso di accerchiamento, di terra che frana sotto i nostri piedi, di enorme insicurezza. La serie italiana è probabilmente più riuscita della “madre” americana. Merito della qualità produttiva, per la potenza di certe sequenze e inquadrature, di attori come Maurizio Lombardi, Filippo Nigro e la rivelazione Lorenzo Cervasio.

Ma è merito soprattutto della scrittura, e di quelle backstory che riescono a svelarci le motivazioni, il motore che muove le azioni dei personaggi. La forza di Citadel: Diana è proprio questa. Insieme al fatto di aver intercettato un senso di disagio per il mondo che abbiamo attorno, con guerre che accadono molto vicino a noi e che ci fanno temere anche per le nostre vite. Quel Duomo di Milano che crolla sotto un attentato, lasciando solo rovine e macerie, è un’immagine di quelle che restano dentro e che fanno stare male. Il senso di quell’immagine ce lo ha spiegato l’head writer Alessandro Fabbri. “Andava a dirci in modo preoccupante, inquietante: anche noi siamo esposti, non viviamo in un posto sicuro; ecco cosa potrebbe accadere qui, nella nostra terra, in un futuro non troppo lontano, se qualcosa dovesse andare storto”.

di Maurizio Ermisino

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Sheena is a punk rocker, cantavano i Ramones. Ma anche Max Pezzali è stato un punk rocker. È nato tutto da lì. Dai Ramones, dai Sex Pistols, dai Clash e i Dead Kennedys. “Ma perché nessuno ascolta punk a Pavia?’” si chiede a un certo punto Max. Essere un punk a Pavia doveva essere molto duro nel 1989. Ma da lì, da quell’attitudine punk, è nata una storia che ha cambiato il modo di fare musica pop in Italia, e che dura ancora oggi: quella degli 883. Ce la racconta Hanno Ucciso l’Uomo Ragno – La leggendaria storia degli 883, la serie Sky Original di Sydney Sibilia, prodotta da Sky Studios e Groenlandia, in arrivo su Sky e NOW in esclusiva dall’11 ottobre. Una serie che ci riguarda tutti. Chi ama la musica degli 883, ma anche chi è stato adolescente in una città di provincia negli anni Ottanta e Novanta, chi è un adolescente adesso, e ha gli stessi problemi di quelli di allora. E ancora, chi ama le storie degli outsider, le storie di rivalsa. Come Rocky. Sì, perché nel primo film Rocky perde, ma poi riesce a vincere e ci fanno altri 5 film. E così anche Max Pezzali e Mauro Repetto sono passati più volte per la sconfitta. Ma, come sappiamo, l’importante non è cadere. È quanto in fretta ti rialzi.

Siamo nell’estate nel 1989. Max viene bocciato alla fine dell’anno scolastico. I genitori, così, non lo mandano in vacanza, ma lo fanno lavorare nel loro negozio di fiori: tutta l’estate a fare consegne, a fare anche i funerali. Ma è a uno di questi che incontra Silvia Panayiotopoulos, per tutti Silvia Atene, una ragazza che si è trasferita a Pavia e che quella sera non ha nessuno con cui uscire. Max le dice che si intende di musica, che scrive canzoni, e lei gli chiede di scriverne una per lei. Max non ha mai suonato nulla, ma prende una chitarra e inizia a comporre. Alla fine dell’estate, nella nuova scuola in cui lo hanno iscritto i suoi, incontra il suo nuovo compagno di banco. È Mauro Repetto. Quella cassetta con la prima canzone scritta, la tenacia di Mauro nel trovare il suo talento, e qualcuno con cui farlo esplodere, faranno nascere gli 883.

Hanno ucciso l’Uomo Ragno è questo, una serie di fili che si snodano e si riannodano, una serie di coincidenze che si legano l’una a all’altra per dare vita a qualcosa di speciale, un po’ come Il favoloso mondo di Amelie in chiave punk e ambientato a Pavia. In questo far partire le storie da un punto di vista insolito (ogni episodio è un capitolo a sé, con un tema e uno svolgimento, anche se concorre alla storia orizzontale) c’è la mano di Sydney Sibilia, uno per cui le storie fanno dei giri immensi e poi ritornano. Questo modo di raccontare, iniziando da angoli nascosti per arrivare al centro, è una qualità delle grandi serie (senza fare confronti, ma solo come schema narrativo degli episodi, ci vengono in mente Lost e The Crown).

Non sono mai stati punk, gli 883, ma avevano una punk attitude. Che cosa vuol dire? Vuol dire buttarsi. Dire di essere un deejay senza esserlo ancora, dire di essere un cantante senza saper ancora suonare e cantare. Dire di avere un intero album pronto quando ancora non ce l’hai. Vuol dire avere dei piani arditi, temerari. Ma che a volte riescono. Chi ce l’ha fatta è stato sempre qualcuno che ha avuto idee più grandi di lui. E, in quegli anni, Max e Mauro hanno avuto una grande idea. Hanno avuto un grande sogno.

Anche Sydney Sibilia, a suo modo, è punk. Lo è per come racconta gli underdog, gli anarchici, degli ultimi, degli outsider. Per come ama i pirati. I pirati che, da ricercatori precari, creano il loro business fuori dalla legge (Smetto quando voglio). I pirati che creano il loro Stato libero in mare aperto (L’incredibile storia dell’Isola delle Rose). I pirati che creano il loro mondo discografico (Mixed By Erry). E quelli che vogliono entrare nello show business a Pavia. Hanno ucciso l’Uomo Ragno sembra essere il controcampo di Mixed By Erry, o il suo sequel, per come si muove in un universo fatto di cassettine analogiche, negozi di strumenti musicali, stereo e mixer. “A Mauro Repetto mancava sempre quel tanto così” in ogni cosa che faceva. Gli eroi di Sydney Sibilia sono tutti così. Ma ce la fanno lo stesso. Sono personaggi in cui, in una situazione in cui ci sono due scenari possibili, si creano da soli il terzo scenario. Hanno in sé un talento: l’arte di arrangiarsi, di farcela contro ogni pronostico.

Max e Mauro (Elia Nuzzolo e Matteo Oscar Giuggioli, bravissimi e perfetti nei loro ruoli), come li vediamo nella serie, sono proprio così. Sono due personaggi dei fumetti, proprio come L’Uomo Ragno che cantano nella loro canzone più famosa. Come due Willy il coyote, sono quei cartoon che cadono mille volte senza farsi mai male, senza morire mai. Non li butti giù, Max e Mauro. Non ci è riuscita l’indifferenza generale dopo la prima apparizione in tv (a 1 2 3 Jovanotti, quando ancora si chiamavano i Pop e facevano musica rap in inglese). Non ci è riuscito il primo rifiuto di Claudio Cecchetto a pubblicare il loro album, nella sua prima versione, quando ancora mancava qualcosa.

Già, Jovanotti e Claudio Cecchetto. Nella serie sugli 883 ci sono loro, ma appaiono anche altri nomi di quel mondo, come Fiorello e Sandy Marton. O nomi grandi come i Public Enemy e i Metallica. Tutta la storia è vista con lo sguardo stupefatto di un ragazzo di Pavia che incontra il mondo che aveva sempre sognato. Max Pezzali, probabilmente, è così ancora oggi: un ragazzo in grado ancora di stupirsi, un uomo ignaro di essere una popstar e uno dei grandi autori di canzoni della storia recente.

Ma scorrendo questi nomi avrete capito anche che Hanno ucciso l’Uomo Ragno è anche un grosso amarcord, un come eravamo, un viaggio a ritroso negli anni Novanta. Sibilia e il suo staff hanno fatto di tutto per corredare il viaggio con momenti e oggetti iconici. Il walkman, il telefono a gettoni, le macchine fotografiche con la pellicola. E ancora il Festivalbar e il Karaoke, e chi più ne ha più ne metta. È un viaggio dove tutto torna. Guardate la serie (8 episodi) fino in fondo, e seguite quella cassettina con la canzone per Silvia. E sentite cosa ci sarà lì dentro.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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“Un reparto di psichiatria è una linea di confine con la realtà. Non esiste, tra noi e loro, che una sola differenza: il caso”. È in questa frase il senso profondo di una serie speciale come Tutto chiede salvezza, la serie di Francesco Bruni – scritta insieme a Daniela Gambaro e Daniele Mencarelli, tratta dal suo romanzo – che ritorna finalmente con la stagione 2 dal 26 settembre su Netflix. Già dal romanzo di Mencarelli, già dalla stagione 1 era tutto chiaro: “si nasce tutti pazzi, alcuni lo restano”. E così ritorna Daniele, ritorna la nave dei pazzi. Il nostro protagonista ritorna a Villa San Francesco, nel reparto psichiatrico dove aveva passato una settimana in seguito a un TSO. Ma stavolta è dall’altra parte: sta facendo un tirocinio come infermiere. L’idea permette di scatenare un mondo complicato che è ancora dentro di lui. Tutto chiede salvezza 2 è una serie scritta e diretta con una straordinaria sensibilità ed empatia verso il prossimo, che dagli autori si trasferisce a un cast in stato di grazia e fa che la serie sia un’esperienza immersiva. In quel reparto psichiatrico di Villa San Francesco ci siamo tutti noi. Ci siamo dentro fino al collo.

Sono trascorsi due anni da quando abbiamo lasciato Daniele e la nave dei pazzi. Molte cose sono cambiate: Daniele (Federico Cesari) e Nina (Fotinì Peluso) sono diventati i genitori della piccola Maria e poco dopo la sua nascita si sono allontanati. Li ritroviamo che si contendono l’affidamento della bambina con il supporto delle rispettive e diversissime famiglie. Daniele, dopo l’intensa esperienza vissuta durante la settimana di TSO, ha scelto di diventare infermiere e, grazie all’intervento della dottoressa Cimaroli (Raffaella Lebboroni), sta per entrare come tirocinante nell’ospedale in cui era stato ricoverato. Ha cinque settimane per dimostrare al giudice che quello può diventare un impiego stabile, accreditandosi come un genitore affidabile. In questa nuova veste, Daniele conosce i nuovi pazienti della camerata, che lo costringono a riflettere sul suo eccesso di empatia verso il dolore degli altri e che rischiano di farlo deragliare di nuovo.

Too much love will kill you, troppo amore ti ucciderà, cantavano i Queen. Ed è questo il problema di Daniele: troppo amore per il prossimo, troppa sensibilità, troppa empatia. La nuova esperienza rischia di travolgerlo. Per Daniele tornare nella camerata vuol dire mettersi allo specchio: guardare i nuovi ospiti del reparto riflettersi in loro e rivedere se stesso. Quel “siamo uguali” che gli dice Rachid, detto Tormento, ex grande promessa del calcio, gli fa male. Se il confine tra sanità e malattia è questione di attimi, del caso, Daniele non è pià sicuro di avercela fatta. “Non sono un padre, non sono un figlio, non sono malato, non sono un infermiere, non sono niente”. Daniele è alla ricerca di se stesso. Ma in fondo non lo siamo tutti?

Come un’altra grande serie, molto diversa, The Handmaid’s Tale, il romanzo d’origine copriva la prima stagione. Scrivere un’altra stagione di Tutto chiede salvezza non era facile. Francesco Bruni, Daniele Mencarelli e Daniela Gambaro ci sono riusciti, trovando nell’anima dei personaggi quello che ancora potevano dare. E prendendo dalla vita: Francesco Bruni ha raccontato la storia, dolorosa, della separazione tra Daniele e Nina trovandola probabilmente tra le persone a lui vicine; Daniele Mencarelli nella sua storia, quel passaggio a diventare un autore di poesia, una poesia salvifica, da semplice appassionato. Chissà se anche nella sua vita c’è stato qualcuno come Angelica (Valentina Romani), una sorta di Beatrice che lo ha condotto verso il Paradiso. Rispetto alla stagione 1 si nota che nella trama c’è più costruzione, che si sia scelto di raccontare la vita di Daniele secondo il percorso dell’eroe, con molti ostacoli da superare, con in supporto di tanti, importanti, aiutanti.

Ma quello che conta è che questi personaggi non vorresti mai lasciarli. Non vorresti passare con loro solo cinque episodi (una durata perfetta) ma tutta la vita, andare avanti all’infinito, perché fanno parte di te, come se fossero la tua famiglia. Dovremmo tutti tornare da loro, ogni tanto, per sapere come stanno. Perché a loro ci teniamo.

In questa seconda stagione Francesco Bruni scopre sempre di più il piacere della regia, il gusto per l’inquadratura. Le sequenze non sono mai banali. A partire da certe inquadrature dall’alto, ariose e liberatorie, che sembrano quasi sottintendere che ci sia qualcuno lassù, un deus ex machina, ad assistere all’umana commedia di questi personaggi, e magari indirizzarla. Ci piace come le immagini sono legate alla musica, da Nel blu, dipinto di blu (Volare) di Domenico Modugno che apre la storia a Sul bel Danubio blu di Johan Strauss II.

Il futuro di Daniele Mencarelli, dalla cui esperienza è tratto questo racconto, è stato nella scrittura, nella poesia. “Quando ridi e sei tutt’uno con la gioia niente che sia male esiste, fremono nell’aria le tue braccia afferrando invisibili cose, luci e ombre amiche giocano con te in segreto in una lingua vietata a ogni altro, poi nuvole a coprire il sole il buio che penetra la stanza nere le pareti dove le tue mani carezzavano il pulviscolo, quello che non vedono i tuoi occhi è il dolore, si chiama perdita”.

di Maurizio Ermisino

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